В предыдущих статьях журнала мы обратились к изучению истории формата типологии в фотографии, рассмотрели её основные виды, выявили возможности и преимущества, поговорили с экспертами о её актуальности. В этой статье речь пойдёт о тех методических ответвлениях, в которых принцип типологии глубоко базово спрятан, хоть визуально это уже нечто другое. Мы поговорим о творчестве тех авторов, мозаичная форма проектов которых стала впоследствии уникальной узнаваемой стилистикой.
Андреас Гурски
Фото: http://im-a-photographer.blogspot.ru/2015/11/Andreas-Gursky.htmlПервый пример, который наверняка рождается одним из первых по ассоциации с фотографическими мозаиками — работы немецкого фотографа Андреаса Гурски (Andreas Gursky, 1955 — ). Ученик Бехеров, сформировавший под влиянием их метода каталогизации индустриальных построек свой узнаваемый авторский стиль — огромные полотна фотографий, насыщенные цветом и мельчайшей детализацией, сделанные, как правило, с высокой точки съёмки.
Andreas Gursky — 99 cents, 1999
Источник: http://losko.ru/andreas-gursky/Работа Гурски «99 Cent II, Diptych» была продана с аукциона «Сотбис» за рекордную сумму в 1,7 миллиона английских фунтов стерлингов (около 3,3 миллиона долларов США). После этого Гурски попал в число самых дорогих фотографов мира.
Материал, с которым работает Гурски, условно можно разделить на два вида: мир производства и потребления и мир пустынных ландшафтов и пейзажей. И если в первом случае его работы буквально переполнены до краёв людьми и предметами современной глобализированной повседневности, то во втором — сюжет минимизирован до предела.
Источники:
1,2,4 — http://losko.ru/andreas-gursky/
3, 5 — https://znyata.com/z-proekty/andreas-gursky.html
Конститутивная способность фотографии ловить мгновение на лету, замораживать его, обретает в работах Гурски особый смысл: возникает ощущение, что вся жизнь поймана на лету, и эта остановка выявляет её поистине парменидовскую сущность, заключающуюся в иллюзорности всякого движения, всякого развития [13.1].
Один из основополагающих принципов творчества Гурски — использование нескольких кадров для создания одной фотографии. Подобная склейка множества отдельных кадров позволяет напечатать фотографии очень большого размера, что даёт огромную детализацию. Этот мозаичный эффект, который он достигает с помощью цифрового монтажа - непрямая отсылка к типологии, но уже внутри только одного изображения.
Andreas Gursky — Paris, Montparnasse, 1993
Источник: http://losko.ru/andreas-gursky/
Сергей Братков
Фото: http://annanova-gallery.ru/artists/ZHyuri/Sergej-Bratkov/
Сергей Анатольевич Братков (1960 — ) — украинский художник и фотограф.
Его работы — это всегда не просто фотография, а инсталляция. Помещая снимки в бетонные кубы, печатая на тканях, закупоривая их в банки и пр., он тем самым продолжает концептуальные поиски художников 1960-х, которые экспериментировали с коллажем и орнаментом. Эти поиски были связаны с кризисом документальной фотографии, который настиг художника в ранние постсоветские годы.
Его работы — это всегда не просто фотография, а инсталляция. Помещая снимки в бетонные кубы, печатая на тканях, закупоривая их в банки и пр., он тем самым продолжает концептуальные поиски художников 1960-х, которые экспериментировали с коллажем и орнаментом. Эти поиски были связаны с кризисом документальной фотографии, который настиг художника в ранние постсоветские годы.
За два-три года новой свободы фотографами было предъявлено практически всё, что в советское время было запрещенным, неофициальным. Наступил период субъективизации, вылившейся в работу с формой: фотографию красили, резали, царапали, коллажировали, соединяли, из неё делали скульптуру [14.1].
Сергей Братков. Виды выставки.
Источник: https://www.reginagallery.com/ru/exhibitions/154/Проект «Империя снов» (2016 — 2017) представляет собой не экспонировавшиеся ранее фотографии Браткова, распечатанные на ткани и собранные в единый коллаж. Выбор пододеяльника в качестве полотна не случаен: «Мне кажется, это не только вопрос дизайна, но и необходимости быстрого стирания ужасов сновидений, связанных с пережитой травмой», — говорит сам художник. Пододеяльник представляет собой подобие экрана, на который проецируются фрагменты снов и воспоминаний. Сюжет этих снов простирается от личных переживаний самого автора до коллективных воспоминаний узнаваемых событий поздних советских и послесоветских лет.
Сергей Братков — «Империя снов» (2016 — 2017)
Источник: https://www.reginagallery.com/ru/exhibitions/154/
Владимир Куприянов
Фото: https://ru.wikipedia.org/wiki/Куприянов,_Владимир_Александрович_(фотограф)
Владимир Александрович Куприянов (1954 — 2011) — российский фотограф, художник, выдающийся мастер концептуальной фотографии, преподаватель фотографии.
В своём творчестве он стремился уйти от документальности, фотография для него служила лишь сырой заготовкой для будущей картины или инсталляции. Сложная система обработки изображений строилась на авторских приёмах Куприянова, главные из которых — фрагментация и разбивка по планам. Так, из отдельных кадров он получал в результате единую пространственную картину — будь то городской пейзаж, природный ландшафт или групповые портреты людей.
1. Vladimir Kupriyanov — The Church of the Holy Women (1998–2003). Источник: http://www.artnet.com/artists/vladimir-kupriyanov/
2. Владимир Куприянов — Возвращение времени. Источник: http://mamm-mdf.ru/exhibitions/vladimir-kupriyanov-time-return/?sphrase_id=65771
2. Владимир Куприянов — Возвращение времени. Источник: http://mamm-mdf.ru/exhibitions/vladimir-kupriyanov-time-return/?sphrase_id=65771
Vladimir Kupriyanov — Facades of the Volga — Nizhni Novgorod, 2006.
Источник: http://www.laurabuliangallery.com/kuprianov.htmlРабота В. Куприянова — «Не отвержи мене от лица твоего», (Do Not Cast Me Away From Your Presence, 1989 — 1990) представляет собой огромную фотографию рабочих, взятую из заводской стенгазеты. Эту фотографию Куприянов разрезал на 7 частей, именно они стали основой всей работы. Рабочие, ранее изображённые вместе на одной фотографии, теперь оказались отделены друг от друга, между ними открылось пространство. Но зритель тут же замечает неровность этого разделения, так, что изображения людей буквально распадаются на части.
Этот пример иллюстрирует «исключительную историческую интуицию Куприянова; на протяжении последнего советского десятилетия он трезво документирует настоящее сквозь призму исторического видения» [18.2].
Этот пример иллюстрирует «исключительную историческую интуицию Куприянова; на протяжении последнего советского десятилетия он трезво документирует настоящее сквозь призму исторического видения» [18.2].
1. Vladimir Kupriyanov — Cast me not away from your presence, 1990. Источник: http://www.artnet.com/artists/vladimir-kupriyanov/
2. Vladimir Kupriyanov — Memorial meal (1954–2011). Источник: http://www.artnet.com/artists/vladimir-kupriyanov/memorial-meal-15-works-YzzBvLi0Mr2gMSy1N7DPJQ2
Thomas Kellner (Томас Келльнер)
Фото: https://www.xing.com/profile/Thomas_Kellner12Thomas Kellner (Томас Келльнер, 1966 — ) — немецкий фотограф, художник, известный своей уникальной техникой фотографирования, которая позволяет одновременно деконструировать и вновь собирать объекты внутри одного изображения.
Сам Келльнер говорит о себе: «Я разработал свой уникальный визуальный язык с несколькими перспективами и деконструктивистским подходом, при котором композитное изображение представляет собой либо многократную экспозицию на негативе, либо последовательность, собранную из отдельных негативов на контактном листе 35-мм рулона пленки».
Сам Келльнер говорит о себе: «Я разработал свой уникальный визуальный язык с несколькими перспективами и деконструктивистским подходом, при котором композитное изображение представляет собой либо многократную экспозицию на негативе, либо последовательность, собранную из отдельных негативов на контактном листе 35-мм рулона пленки».
Этапы собирания коллажа Т. Келльнера на примере фотографии храма Василия Блаженного.
Источник: http://thomaskellner.com/info/buildings/russia/moscow/moscow-saint-basils-cathedral/
В одном из своих проектов, «Tango Metropolis» (2003 — 2016 & ongoing), Томас Келльнер в новом свете показывает привычную архитектуру и известные мировые достопримечательности. Со вновь открывшейся энергией этому проекту удается выйти за рамки очевидной красоты статичных памятников.
Благодаря особому визуальному языку, коллажи Келльнера рассказывают новую историю популярных туристических мест, привлекая внимание к деталям, которые не были заметны прежде. Используя свою уникальную технику, Томасу Келльнеру удается создать образы зданий, в которых массивные каменные стены оказываются раздроблены на маленькие куски, текут и движутся, а перспектива и вовсе теряется. Этот метод придаёт изображённым зданиям новую динамику.
Thomas Kellner — Tango Metropolis (2003 — 2016 & ongoing)
Источник: http://thomaskellner.com/artworks/artworks/portfolios/tango-metropolis/
Каждый из приведённых примеров объединяет одно ключевое свойство: в них фотография используется именно как средство, сырая заготовка для создания уникальной мозаичной инсталляции. И это тот случай, когда фотография явно отходит от документальности и становится техникой уже современного искусства.
Комментарии:
Вы должны Войти или Зарегистрироваться чтобы оставлять комментарии...